Archivos de la categoría ‘Pintura’

Posteo una selección personal de pinturas que me gustan mucho, notarán mi predilección por el barroco, pero no me encierro solamente en un género.
Considero que el arte en general debe trasmitir algo, un sentimiento, una sensación, alguna cualidad que lo haga resaltar. En este caso realmente logra atrapar al espectador, son obras que trasmiten una sensación inquietante, realmente están dotadas de vida propia. Y así considero que tiene que ser arte.
(las de Saturno son mis preferidas)

“La Pesadilla” de Henry Fuseli (1781)

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El pintor suizo Henry Fuseli (Johannesburg Heinrich Füssli) realizó uno de sus mejores trabajos con este cuadro, considerado parte del Horror Gótico.
La Pesadilla , tiene a una mujer dormida poseída por un íncubo , demonio que se presenta en sueños de tipo erótico, apareciendo en segundo plano la cabeza de un caballo de aire fantasmal que contempla la escena.
La fisonomía de la mujer pintada corresponde a Anna Landolt, por la que el pintor sentía una gran pasión. Es una de las obras más emblemáticas de este pintor, reflejando los temas preferidos a lo largo de su obra: satanismo, horror, miedo, soledad, etc. Su título en alemán, Nachtmahr, era el nombre del caballo de Mefistófeles.
Su atmósfera de ensueño, su alusión al mundo de íncubos y demonios de la tradición inglesa, el aire de un ambiente de pesadilla, convierten esta obra en un antecedente del surrealismo.

“Dante y Virgilio en el infierno” de Adolphe Bouguereau (1850)

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El cuadro muestra dos hombres luchando, uno muerde el cuello del otro, su mano se unde en la carne como si fuera la garra de un animal salvaje, en el suelo hay un hombre muerto, Dante y Virgilio estan observando la escena son los ùnicos que estàn vestidos y estos a su vez son observados por un demonio con alas, al fondo hay un grupo de personajes apelmazados, algunos van cayendo en las llamas (a la derecha).
El pintor se inspiró de “La Divina Comedia” de Dante Alighieri. La obra relata el viaje imaginario de Dante y Virgilio en el mundo de los muertos, el viaje comienza por el “Infierno”, luego van al “Purgatorio” terminan en el “Paraiso”, Virgilio es el guia hasta la puerta del Paraiso, pero no puede entrar porque nació y murió antes de la llegada de Cristo, no se pudo beneficiar de su sacrifico y muerte. Fue Beatriz Portinari, su musa quien tomó el relevo para guiar a Dante, ella le abrirà la puerta de la salvación.
El pintor escogió el octavo circulo del Infierno, el de los falsificadores, incluidos los de falsa
moneda, en el Dante y Virgilio asisten al combate entre dos almas condenadas: Capocchio el hereje, el alquimista es mordido en el cuello por Gianni Schicchi, quien habia usurpado la identidad del hombre que està muerto en el suelo, con el fin de desviar su herencia.
El cuadro es una alusión a las guerras que Francia habia vivido, comenzando por: la Revolución Francesa, la epoca del “Terror”, las guerras Napoleónicas.
El estilo es académico, los personajes estàn representados de manera “realista”.
Los colores son calidos, predominan los marrones, los rojos hacen referencia al fuego del infierno.
La Luz del cuadro parte de tres puntos: una està centrada en las figuras de los luchadores, la segunda està situada al fondo, la tercera està situada a la derecha, representa las llamas del infierno donde los hombres se precipitan.
El pintor quiso mostrar que en el infierno se encuentran las peores cosas, los hombres se
matan y se devoran entre ellos.
Las diferentes clases sociales están representadas:
– Dante y Virgilio representan a los intelectuales, Dante representa a los poetas y artistas, Virgilio con su corona de laurel es el guia y protector de los filósofos, ellos son los
espectadores de los acontecimientos, no intervienen en la lucha, solo son sus ideas las que pueden servir de guia.
– El demónio representa el poder, esta situado por encima de todos, incluso parece sonreir, és el origen de la destrucción de los hombres, mira con malos ojos a los intelectuales, consideran peligrosas las ideas que puedan aportar para salir del “caos”.
– Mientras que el pueblo que se maten entre ellos.

“Judit y Holofernes” de Caravaggio (1599)

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Judith era una bella mujer judía y viuda que salvó al pueblo de Israel del ejército de Holofernes. Cuando el fin de Israel parecía inminente ante las fuerzas de su opresor, la bella dama se coló en la tienda del general para -en teoría- seducirle y terminó cortándole la cabeza. Este es un Pasaje tomado de la Biblia católica puesto que los judíos no lo recogen en sus escrituras; con todo, ha sido uno de los pasajes más representados a lo largo de la historia del arte por distintos pintores conjugando en su temática la sensualidad de Judith y la brutalidad de la muerte del general.

“David con la cabeza de Goliat” de Caravaggio (1610)

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Es uno de los cuadros más introspectivos del autor, que revela su mundo interior. El joven David mira, con tristeza y un poco de asco, la cabeza del gigante Goliat, en quien es posible distinguir al propio Caravaggio. En la espada del israelita se puede leer: “Humilitas occidit superbiam ” (la humildad mató al orgullo). Quizá así se veía a sí mismo: un gigante destruido por su propia soberbia al que sólo merece mirar con desprecio.
Este cuadro le fue enviado al cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa, quizá como un intento para obtener el perdón pontificio

“Saturno devorando a un hijo” de Rubens (1636/7)

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El titán Saturno, ya advertido de que uno de sus hijos le destronaría, decidió devorarlos a todos, siendo salvado solamente uno de ellos: Zeus. El cuadro representa a Saturno desgarrando el pecho de uno de sus hijos, apoyándose en su guadaña , símbolo de la agricultura. La enorme figura del dios se recorta entre la oscuridad del fondo. La luz consigue un ambiente dramático muy barroco similar a una obra de teatro. La expresión de las figuras sitúa este lienzo entre los más
impactantes del Museo del Prado , sólo comparable con el Saturno de Goya. La influencia de Miguel Ángel , que ya viene marcando las figuras del artista desde su estancia en Italia , se aprecia hasta el final.

Como curiosidad, las tres estrellas que aparecen en la parte superior del cuadro representan al planeta Saturno , tal y como
lo describió Galileo años antes de que Rubens pintara el cuadro. La insuficiente resolución de su telescopio le impidió distinguir entonces el anillo que rodea el planeta, confundiéndolo con dos estrellas alineadas con el planeta (representado por la estrella central).

“Saturno devorando a un hijo” de Goya (1819-23)

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Goya se inspiró de la mitologia Griega, en la cual un oràculo predijo a Cronos (Saturno en la mitologia romana), que uno de sus hijos lo iba a destronar, lo mismo que él habia hecho, destronado y matado a su padre, para que no se cumpliera la predición decidió comérlos uno a uno al nacer, Jupiter (Zeus) consiguió escapar del rito antropofago de su padre, Rea sustituyó a Jupiter (Zeus) por una piedra envuelta en un paño, Saturno la devoró pensando que era su hijo, de esta forma se cumpliò la profecia.